sábado, 31 de agosto de 2013

Unidad 3

Unidad 3 Artes Visuales

 Competencia intermedia

Aplicar los elementos del lenguaje visual para la lectura de obras artísticas con énfasis en obras relacionadas con la medicina.

3.1 El lenguaje visual

En los capítulos anteriores hemos visto algunas herramientas básicas para la interpretación de las obras de arte entendidas como textos (composiciones de signos con base en un lenguaje específico). Estos elementos son:

a) Tema y subtemas

b) Lenguaje (signos y símbolos, figuración y abstracción)

c) Composición (estructura)

 Para entender el lenguaje específico de las artes visuales, las cuales se caracterizan por ser percibidas a través del sentido de la vista (en el caso de la escultura interviene también el sentido del tacto), es necesario aclarar de qué tipo de signos está conformado tal lenguaje.

Sabemos que a través de la vista percibimos imágenes. Sin embargo, debemos hacer una primera distinción entre las imágenes mentales y las imágenes materiales, las cuales se caracterizan por tener un soporte físico. No es lo mismo “imaginar” una silla (imagen mental), que verla representada en un soporte, tal como papel, tela, piedra, madera, etcétera, en el cual esta representación ha sido fijada a partir de una técnica o proceso de producción, como lo es la pintura al óleo, la acuarela, el dibujo, el grabado, el tallado, la fotografía, etcétera.

El lenguaje de las artes visuales atiende a los signos presentes en las imágenes materiales, las cuales, como dijimos antes, se caracterizan por ser percibidas con el órgano de la vista y, además, por tener un soporte físico y ser producidas a partir de una técnica. Con ello se establece una diferencia en relación a la música (percibida a través del sentido del oído), así como al cine y al teatro (considerados artes audiovisuales). Tanto las artes plásticas, como los otros tres casos mencionados (música, cine y teatro), poseen lenguajes específicos, de acuerdo al tipo de signos presentes en las obras en cada uno de los géneros.

3.2 Elementos básicos del lenguaje en las Artes Plásticas

Una de las contribuciones históricas más importantes en el estudio del lenguaje de la plástica es el libro Punto y línea sobre el plano, de Wassily Kandinsky, publicado en 1926, durante el tiempo en que trabajó como profesor en la escuela Bauhaus, de lo cual se habló ya en la unidad anterior.

De acuerdo a Kandinsky, toda composición se articula con base en las tensiones dinámicas surgidas de la combinación de tres elementos básicos: el punto (como elemento primigenio de una tensión en reposo), la línea (como fuente de energía direccional) y el plano (como campo donde se organizan y componen las tensiones). Para Kandinsky, esas tensiones deben responder a los impulsos surgidos de una necesidad interior libre, no referencial, sustentada exclusivamente en su propio lenguaje (el de los elementos básicos y el color como poseedor y evocador de sonidos y emociones).

De estas teorías surgieron una serie de pinturas de claro rigor geométrico, en las que Kandinsky conjugaba equilibradamente puntos de configuraciones y tamaños diversos con elementos lineales de características diferentes, combinados con los colores primarios y sus complementarios.

A partir del desarrollo de las ideas y la obra de Kandinsky y de otros artistas y teóricos del arte del siglo XX, podemos pensar en las imágenes visuales materiales, presentes en las artes plásticas, como composiciones organizadas de acuerdo a unidades básicas de lenguaje, tales como punto, línea, contorno, textura, color, etcétera.

a) Punto

Desde el punto de vista científico, el punto representa un concepto abstracto que indica con precisión exacta la ubicación de un encuentro, una intersección, etcétera. En el lenguaje de las artes plásticas, el punto es una superficie materializada, es decir, reconocible por el ojo humano. Es la unidad mínima de comunicación visual, el elemento básico del lenguaje de la plástica.

El punto es, entonces, un elemento material; tiene tamaño, ocupa una superficie sobre el plano, tiene límites que lo separan y lo distinguen de otros elementos y posee tensiones internas. Podemos afirmar que el punto es tensión en sí mismo.

El punto es percibido como tal en relación al plano que lo contiene y a los elementos que lo rodean.

Su forma externa es variable; puede ser circular, triangular, cuadrada o una simple mancha sin características geométricas.

El punto resulta en muchos casos del choque del instrumento o herramienta (lápiz, punzón, pincel, pluma, aguja, etcétera) con el soporte material (papel, madera, tela, metal, etcétera).

No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico puede constituir el centro de atención.

Como ya dijimos, el tamaño y la forma del punto varían, por lo que es importante tener en cuenta que un punto es tal en relación a los otros elementos y puede transformarse en plano o figura según su escala en relación al contexto.

El punto puede ser definido también por su color y, sobre todo, por el dinamismo que refleja, dependiendo de dónde se encuentre situado dentro del plano.

Algunas características del punto:

* Tiene un gran poder de atracción cuando se encuentra solo.

* Puede producir sensación de tensión cuando se añade otro punto.

El punto posee significación como:

  • Centro de atención.
  • Referencia de posición.
  • Indicador.
  • Concentrador de tensión.
  • Eje.
  • Figura unitaria, etc.

 b) Línea

 La línea puede ser considerada como el trazo que deja un punto al moverse en el espacio o como la unión de dos o más puntos. Su presencia crea tensión y afecta a los diferentes elementos que conviven con ella. Por tratarse de un punto en movimiento, tiene una enorme energía, nunca es estática. Es el elemento visual básico del boceto.

La línea separa planos, permitiendo delimitar áreas y crear diferentes niveles y volúmenes. La repetición y proximidad de líneas pueden dar apariencia de volumen y crear texturas. La línea posee, además, una gran capacidad expresiva, ya que puede conformar contornos, señalar la dirección de lectura (provocando que el espectador dirija su vista a algún punto) crear movimiento, etcétera, dependiendo de sus diferentes grosores y valores.

En la composición de la obra o texto visual, la línea posee la misma importancia que la letra en el texto escrito.

Los elementos de la línea que con mayor facilidad podemos analizar y percibir son:

  • El espesor.
  • La longitud.
  • La dirección.
  • La forma.
  • El color y
  • La cantidad.

 También puede hacerse una distinción entre la línea continua y la línea conformada de puntos. Otro elemento importante es la naturaleza de los bordes (irregulares o lisos).

La línea puede expresar cosas muy diferentes dependiendo de su carácter. Puede ser ondulada, delicada, vacilante, inflexible, fría o sensual, expresando la intencionalidad del artista o su momento personal en el acto de creación.

c) Contorno

Hablamos de contorno cuando el trazo de la línea se une en un mismo punto. En la terminología de las artes visuales se dice que la línea articula la complejidad del contorno. Cuando la línea cierra un determinado espacio se crea una tensión entre el espacio y sus límites.

El contorno provoca una delimitación entre dos zonas: una acotada (figura) y otra infinita (fondo).

El contorno puede ser:

* Geométrico: construido matemáticamente (lo encontramos en las construcciones humanas).

* Orgánico: conformado por curvas libres que sugieren fluidez y desarrollo (es propio de la naturaleza).

* Rectilíneo: limitado por líneas rectas que no están relacionadas matemáticamente.

* Irregular: uniones de rectas y curvas.

* Manuscrito: caligráfico.

d) Textura

Se denomina textura al tratamiento que el artista da a una superficie a través de los materiales. Con frecuencia, sirve para expresar visualmente las cualidades de otro sentido: el tacto.

El primer análisis de textura que realiza el ojo por medio de la percepción, queda reafirmado o contrastado a través del tacto, que nos transmite otra información. Por lo general, la textura se produce mediante la repetición de luces y sombras en un espacio plástico o a través de motivos iguales o similares que se repiten en el soporte material.

La textura puede ser:

a) Visual, cuando sugiere diferencias sobre una superficie que sólo pueden ser captadas por el ojo, pero no responden al sentido del tacto.

b) Visual y táctil, cuando hay una textura real en la que coexisten las cualidades táctiles y ópticas por separado, permitiendo una sensación individual al ojo y a la mano, aunque ambas sensaciones sean proyectadas en un significado fuertemente asociativo.

La textura, junto con la luz, es el elemento clave en la percepción del espacio por su capacidad para orientar la visión estereoscópica. Con todo, la mayor parte de nuestra experiencia textural es óptica, no táctil. Mucho de lo que percibimos como textura está pintado, fotografiado, filmado, etcétera, simulando una materia que realmente no está presente.

Este fenómeno se da también en la naturaleza, ya que muchos animales adoptan o presentan el aspecto de aquello que les rodea. Para defenderse de los enemigos, se confunden con la textura de contexto.

e) Color

El color en sí no existe, no es una característica del objeto, sino una apreciación subjetiva nuestra. Por tanto, podemos definirlo como la sensación que se produce cuando el ojo y sus mecanismos nerviosos son estimulados por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.

El color es, entonces, un fenómeno de la visión que resulta de la percepción del ojo humano ante las distintas longitudes de onda que componen lo que se denomina el espectro de luz. Los colores que el ojo humano puede percibir son aquellos cuya longitud de onda está comprendida entre los 400 y los 700 nanómetros. Más allá de estos límites siguen existiendo radiaciones, pero ya no son percibidos por nuestros órganos de visión.

Lo que ocurre cuando percibimos un objeto de un determinado color, es que la superficie de ese objeto refleja una parte del espectro de luz blanca que recibe y absorbe lo demás.

La luz blanca está conformada por tres colores básicos: rojo, verde y azul. Un objeto de color rojo absorbe el verde y el azul y refleja el resto de la luz, que es interpretado por nuestra retina como color rojo.

Este fenómeno fue descubierto en 1666 por Isaac Newton, quien observó que cuando un haz de luz blanca traspasa un prisma de cristal, dicho haz se divide en un espectro de colores idéntico al del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul, añil y violeta.

En el lenguaje de la plástica, el color no es un simple atributo que recubre la forma de los objetos en busca de fidelidad en la reproducción. A pesar de que, sin el color, la forma permanece, con frecuencia lo que se desea transmitir es el color mismo, o aquello que sólo puede expresarse por medio de éste.

 Los colores primarios son aquellos que se consideran absolutos, ya que no pueden crearse mediante la mezcla de otros colores. Sin embargo, mezclar los primarios en diversas combinaciones crea un número infinito de colores.

Dependiendo del ámbito, podemos encontrar tres juegos de colores primarios:

1.  Los artistas plásticos parten de un juego formado por el rojo, el amarillo y el azul. Mezclando pigmentos de estos colores pueden obtenerse todos los demás tonos.

  1. El segundo juego de primarios es el del rojo, verde y el azul, conocidos como primarios aditivos. Son los primarios de la luz y se utilizan en el campo de la ciencia o en la formación de imágenes en los monitores de las computadoras o la televisión  (videoarte). Si se mezclan en distintos tantos por ciento, forman otros colores, y si lo hacen en cantidades iguales producen la luz blanca.
 
  1. El tercer juego de primarios se compone de magenta, amarillo y cyan (azul celeste). Se tratan de los primarios sustractivos y son los empleados por los impresores. En imprenta, la separación de colores se realiza utilizando filtros para restar luz de los primarios aditivos, con lo que se obtienen los colores de impresión por proceso sustractivo.

El tono:

Es el matiz del color, es decir, el color en sí mismo. Supone su cualidad cromática. Define la mezcla de un color con el blanco y el negro. Está relacionado con la longitud de onda de su radiación. Según su tonalidad, se puede decir que un color es rojo, amarillo, verde.

De acuerdo con sus cualidades expresivas, podemos hablar de:

Tonos cálidos (rojo, amarillo y anaranjados): aquellos que asociamos con la luz solar, el fuego, etcétera.
Tonos fríos (azul y verde): aquellos que asociamos con el agua, la luz de la luna, etcétera.

Los términos cálido y frío se designan por lo que denominamos temperatura de color. Las diferencias entre los colores cálidos y los fríos pueden ser muy sutiles. El papel blanco puede parecer más cálido o más frío a partir de una leve presencia de rojo o azul. Lo mismo ocurre con el gris y el negro.

La brillantez:

Es la intensidad o el nivel de energía. Es la luminosidad de un color, su capacidad de reflejar el blanco, es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable que puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a un tono.

La saturación:

Está relacionada con la pureza cromática o falta de dilución con el blanco. Constituye la pureza del color respecto al gris y depende de la cantidad de blanco presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee.

Los colores menos saturados transmiten sensaciones tranquilas y suaves; por el contrario, los colores más saturados transmiten tensión.

El color luz:

Los bastones y conos del órgano de la vista están organizados en grupos de tres elementos sensibles, cada uno de ellos destinado a cada uno de los colores primarios del espectro: azul, verde y rojo, del mismo modo que un monitor en color.

Cuando vemos el rojo es porque se ha excitado el elemento sensible a esta longitud de onda. Cuando vemos amarillo es porque se excitan a un tiempo el verde y el rojo, y cuando vemos azul celeste (cyan), es que están funcionando simultáneamente el verde y el azul (azul violeta).

Del mismo modo pueden obtenerse colores terciarios en los que las tres luces primarias actúan a la vez en distintas proporciones y hacen posible que, por ejemplo, en un monitor se perciban una enorme cantidad de valores cromáticos distintos.

Este proceso de formación de colores a partir del trío básico (azul, verde y rojo) es lo que se conoce como síntesis aditiva, y en ella cada nuevo color secundario o terciario se obtiene por la adición de las partes correspondientes de los tres fundamentales, siendo cada una de las sumas de color más luminosas que sus partes, con lo que se explica el que la mezcla de los tres permita la obtención del blanco, que es por definición el color más luminoso.  

El color pigmento:

A diferencia de expresiones como el video de arte, en las cuales el color se maneja a partir de luces, en una pintura el artista no utiliza la luz para manejar el color, sino tintas, lápices, acuarelas, óleos, etc. En estos casos, de lo que estamos hablando es del pigmento. Cuando hablamos del color pigmento nos referimos a sustancias que son aplicadas sobre cierta superficie para sustraer a la luz blanca parte de su composición espectral. Este proceso se denomina síntesis sustractiva  y a partir de él es más sencillo prever el color resultante (el azul + el amarillo originan el verde, el rojo + el amarillo originan el naranja).
 
 

3.3 Elementos básicos de composición en las Artes Plásticas

 a) Dimensión

 La dimensión es la representación del volumen de un objeto bidimensional o plano (pintura, fotografía, dibujo, etcétera). La dimensión existe en el mundo real, podemos sentirla y verla con nuestra visión estereoscópica, pero en las representaciones bidimensionales no existe realmente, sino que está implícita y depende de nuestra ilusión. Un apoyo fundamental para simular dimensión es la técnica de la perspectiva.

b) Escala

Es el tamaño de algo en relación con una constante. Por ejemplo, el cuerpo humano en relación con el tamaño usual de un objeto (manzana, pelota de futbol). Los objetos visuales se definen y modifican unos a otros a partir de sus relaciones de tamaño. Una manzana es enorme en relación a un insecto, pero pequeña en relación a un árbol.

c) Proporción

Es la relación de tamaño de las partes en un todo. En este caso, si el cuerpo humano es el todo, las extremidades deberán guardar cierta proporción en relación al tronco, a la cabeza, etcétera.

Uno de los más famosos dibujos de Leonardo da Vinci es el llamado Hombre de Vitruvio (ver pág. 54). En él, un círculo y un cuadrado son la base de las proporciones de la figura humana. Este dibujo se ha convertido en un auténtico símbolo, ya que recoge varias de las ideas claves del pensamiento renacentista: el hombre como medida de todas las cosas, la belleza ajustada a cánones, el equilibrio y la proporción en la representación artística de los objetos de la naturaleza, etcétera.

d) Ritmo

Al igual que el ritmo musical, el ritmo visual opera cuando existe una repetición de elementos de acuerdo a un orden. El ritmo puede ser repetitivo, ofrecer variaciones sobre un tema básico o indicar un desarrollo progresivo.

e) Equilibrio

Es la relación ordenada de las fuerzas opuestas. La atracción y tensión de las fuerzas opuestas es una condición básica de la vida. La falta de equilibrio es contraria a nuestro sentido del orden. En el campo de la medicina, equilibrio y falta de equilibrio se asocian con los conceptos de salud y enfermedad.

Existen dos tipos de equilibrio: el simétrico y el asimétrico.

Si dividimos una imagen en dos, el equilibrio simétrico se produce cuando encontramos igualdad de peso y tono en ambos lados de la composición, y el equilibrio asimétrico cuando no existe las mismas dimensiones (ya sea de tamaño, color, etcétera) en ambos lados, pero aún así existe armonía entre los elementos.

f) Contraste

Es la interacción de elementos contrarios que expresan la dualidad en sus opuestos. Por ejemplo: largo y corto, áspero y suave, blanco y negro. El contraste atrae la atención del receptor, dramatiza y dota de significado a la imagen, aportando dinamismo.

Un ejemplo contemporáneo de contraste es cierto tipo de escritura en blogs y fotologs, en la cual se intercalan letras mayúsculas y minúsculas con el único fin de atraer visualmente y crear dinamismo. Un lunar o un piercing provocan una ruptura en el equilibrio simétrico propio del rostro humano, contrastando el lado izquierdo con el derecho y provocando una dramatización dinámica de su imagen.

El contraste puede conseguirse a través de múltiples articulaciones:

1. Contraste de líneas: Cuando en una composición se contraponen líneas gruesas y delgadas, cortas y largas, etcétera

2. Contraste de tono: Contrastes de luz y sombra en la superficie de los objetos establecen  contrastes tonales. El mayor peso tonal lo tendrá aquel elemento que posea mayor oscuridad o intensidad tonal.

3.  Contraste de colores:

  • Contraste de tono (cuando encontramos diversos tonos cromáticos).
  • Contraste de claro/oscuro (los extremos están representados por el blanco y el negro).
  • Contraste de saturación (se produce por la modulación de un tono puro saturado con blanco, con negro, con gris o con un color complementario; lo que se contrasta aquí es la brillantez).
  • Contraste de cantidad (contraposición de lo grande y lo pequeño, de tal manera que ningún color tiene preponderancia sobre otro en la composición).
  • Contraste simultáneo (se produce por la influencia que cada tono ejerce sobre los demás al yuxtaponerse a ellos en una composición).
  • Contraste entre complementarios (el color complementario es el que se sitúa en el lugar exactamente opuesto de la rueda de colores).
  • Contraste entre tonos cálidos y fríos.

4. Contraste de contornos: Entre contornos regulares e irregulares, orgánicos y geométricos.

5.  Contraste de textura: Cuando se yuxtaponen diferentes tipos de textura, como áspera y suave.

6. Contraste de escala: Contraposición de elementos a diferentes escalas o que presentan proporciones irreales.

domingo, 18 de agosto de 2013

Actividades Unidad 2


Ejercicios

 PRIMERA PARTE

I. Lenguaje

1. Realiza un dibujo que represente tu estado de ánimo actual
2. Dibuja un objeto que funcione como símbolo del amor
3. Describe una escena o situación que incluya un signo de amor
4. Busca en Internet la imagen de un cuadro famoso, pégala en una página, nseguida menciona todos los signos y símbolos que encuentres y explica los más importantes (no se aceptarán fotocopias
5. Lee atentamente el siguiente texto escrito y a continuación anota lo siguiente:
a) El tema y los subtemas
b) Los signos estéticos que encontraste (explícalos) 

La migala
 
Por: Juan José Arreola
(México, 1918-2001)
 
La migala discurre libremente por la casa, pero mi capacidad de horror no disminuye.
 
El día en que Beatriz y yo entramos en aquella barraca inmunda de la feria callejera, me di cuenta de que la repulsiva alimaña era lo más atroz que podía depararme el destino. Peor que el desprecio y la conmiseración brillando de pronto en una clara mirada.
 
Unos días más tarde volví para comprar la migala, y el sorprendido saltimbanqui me dio algunos informes acerca de sus costumbres y su alimentación extraña. Entonces comprendí que tenía en las manos, de una vez por todas, la amenaza total, la máxima dosis de terror que mi espíritu podía soportar. Recuerdo mi paso tembloroso, vacilante, cuando de regreso a la casa sentía el peso leve y denso de la araña, ese peso del cual podía descontar, con seguridad, el de la caja de madera en que la llevaba, como si fueran dos pesos totalmente diferentes: el de la madera inocente y el del impuro y ponzoñoso animal que tiraba de mí como un lastre definitivo. Dentro de aquella caja iba el infierno personal que instalaría en mi casa para destruir, para anular al otro, el descomunal infierno de los hombres.
 
La noche memorable en que solté a la migala en mi departamento y la vi correr como un cangrejo y ocultarse bajo un mueble, ha sido el principio de una vida indescriptible. Desde entonces, cada uno de los instantes de que dispongo ha sido recorrido por los pasos de la araña, que llena la casa con su presencia invisible.
 
Todas las noches tiemblo en espera de la picadura mortal. Muchas veces despierto con el cuerpo helado, tenso, inmóvil, porque el sueño ha creado para mí, con precisión, el paso cosquilleante de la aralia sobre mi piel, su peso indefinible, su consistencia de entraña. Sin embargo, siempre amanece. Estoy vivo y mi alma inútilmente se apresta y se perfecciona.
 
Hay días en que pienso que la migala ha desaparecido, que se ha extraviado o que ha muerto. Pero no hago nada para comprobarlo. Dejo siempre que el azar me vuelva a poner frente a ella, al salir del baño, o mientras me desvisto para echarme en la cama. A veces el silencio de la noche me trae el eco de sus pasos, que he aprendido a oír, aunque sé que son imperceptibles.
 
Muchos días encuentro intacto el alimento que he dejado la víspera. Cuando desaparece, no sé si lo ha devorado la migala o algún otro inocente huésped de la casa. He llegado a pensar también que acaso estoy siendo víctima de una superchería y que me hallo a merced de una falsa migala. Tal vez el saltimbanqui me ha engañado, haciéndome pagar un alto precio por un inofensivo y repugnante escarabajo.
 
Pero en realidad esto no tiene importancia, porque yo he consagrado a la migala con la certeza de mi muerte aplazada. En las horas más agudas del insomnio, cuando me pierdo en conjeturas y nada me tranquiliza, suele visitarme la migala. Se pasea embrolladamente por el cuarto y trata de subir con torpeza a las paredes. Se detiene, levanta su cabeza y mueve los palpos. Parece husmear, agitada, un invisible compañero.
 
Entonces, estremecido en mi soledad, acorralado por el pequeño monstruo, recuerdo que en otro tiempo yo soñaba en Beatriz y en su compañía imposible.
 
Juan José Arreola nació el 21 de septiembre de 1918 en Zapotlán, México. A los once años empezó a trabajar como encuadernador y a los 15 escribió sus primeros textos literarios. Después de tres años se instaló en México D.F. y se inscribió en la Escuela Teatral de Bellas Artes. Autodidacta como era, publicó su primera obra: Sueños de Navidad, y posteriormente trabajó como maestro, periodista y corrector. En 1952 publicó su gran obra: Confabulario, con la que recibió varios premios. Fue además de profesor de la Universidad Nacional Autónoma de México y editor, uno de los referentes más importantes de micro-ficción por haber incluido conversaciones literarias y juegos de escritura en sus textos. Murió el 3 de diciembre de 2001 en Guadalajara.
 
 

6. Busca una imagen o texto visual (puede ser una fotografía) pégala en la página y a continuación señala el tema y los subtemas (no se aceptarán fotocopias, no se aceptarán textos escritos).

SEGUNDA PARTE
 
7. Elige un objeto y represéntalo por medio de dos dibujos. El primero de ellos deberá ser figurativo, es decir, imitará en lo posible su aspecto real. El segundo de ellos será abstracto, con esto se te pide que dibujes el mismo objeto intentando abstraer alguna de sus características, su esencia, o cualquier idea o imagen que para ti lo represente.

8. Explica el dibujo abstracto que realizaste y señala su relación con el figurativo

9. Elabora un resumen de la historia del arte abstracto en el siglo XX

10. Describe el edificio de la ciudad que más te gusta y señala la diferencia entre su estructura y su textura.


11. Si vemos al cuerpo humano como una obra de arte, ¿cómo describirías su unidad orgánica?

12. Busca una fotografía artística en una revista o en Internet, pégala en esta página y analiza los elementos formales de su ESTRUCTURA que se te piden a continuación.
a) ¿Hay unidad orgánica en tu imagen?, sí o no y por qué:

b) ¿Cuál es el tema de la imagen?
c) ¿Encuentras variación temática? Descríbela.
d) ¿Hay algún tipo de contraste en la foto? Descríbelo
e) ¿Cuál es el interés de esta imagen?, ¿por qué la elegiste?

13. Análisis de una película

Observa atentamente la película que se verá en clase o que se dejará de tarea y realiza una lectura de ella de acuerdo a cada uno de los puntos que se vieron en esta unidad.
I. Contenido
a) Tema y subtemas:
II. Lenguaje
a) Signos:
b) Símbolos:
III. Estructura
a) Unidad (¿tiene unidad?, ¿en qué se basa?, ¿tema y variaciones?, ¿contrastes?, ¿gradación?)
b) Ritmo (intenta describirlo)
c) Manejo del tiempo (cronológico, fragmentado, lineal con retrospecciones, etc.)
IV. Interpretación personal del filme y comentarios finales