Aplicar los elementos del lenguaje visual para la lectura de obras artísticas
con énfasis en obras relacionadas con la medicina.
3.1 El lenguaje visual
En los capítulos anteriores hemos visto algunas herramientas básicas para la interpretación de las obras de arte entendidas como textos (composiciones de signos con base en un lenguaje específico). Estos elementos son:
a) Tema y subtemas
b) Lenguaje (signos y símbolos, figuración y abstracción)
c) Composición (estructura)
Sabemos que a
través de la vista percibimos imágenes. Sin
embargo, debemos hacer una primera distinción entre las imágenes mentales y las imágenes
materiales, las cuales se caracterizan por tener un soporte físico. No es lo
mismo “imaginar” una silla (imagen mental), que verla representada en un soporte, tal
como papel, tela, piedra, madera, etcétera,
en el cual esta representación
ha sido fijada a partir de una técnica o
proceso de producción, como lo es la
pintura al óleo, la acuarela, el dibujo, el grabado, el tallado, la fotografía,
etcétera.
El lenguaje de las artes visuales atiende a los signos
presentes en las imágenes materiales,
las cuales, como dijimos antes, se caracterizan por ser percibidas con el órgano de la vista y, además, por tener
un soporte físico y ser producidas a
partir de una técnica. Con ello se
establece una diferencia en relación a la música
(percibida a través del sentido del oído), así como al cine y al teatro
(considerados artes audiovisuales).
Tanto las artes plásticas, como los
otros tres casos mencionados (música, cine
y teatro), poseen lenguajes
específicos, de acuerdo al tipo de
signos presentes en las obras en cada uno de los géneros.
3.2 Elementos básicos del lenguaje
en las Artes Plásticas
Una de las contribuciones históricas más
importantes en el estudio del lenguaje
de la plástica es el libro Punto y línea sobre el plano, de Wassily Kandinsky, publicado
en 1926, durante el tiempo en que
trabajó como profesor en la escuela Bauhaus,
de lo cual se habló ya en la unidad anterior.
De acuerdo a Kandinsky, toda composición se articula con base en las tensiones dinámicas surgidas de la combinación de tres elementos básicos: el punto (como elemento primigenio de una
tensión en reposo), la línea (como
fuente de energía direccional) y el plano
(como campo donde se organizan y componen las tensiones). Para Kandinsky, esas tensiones deben
responder a los impulsos surgidos de
una necesidad interior libre, no referencial, sustentada exclusivamente en su
propio lenguaje (el de los elementos
básicos y el color como poseedor y evocador de sonidos y emociones).
De estas teorías
surgieron una serie de pinturas de
claro rigor geométrico, en las que Kandinsky conjugaba equilibradamente
puntos de configuraciones y tamaños diversos con elementos lineales de
características diferentes, combinados con los colores primarios y sus
complementarios.
A partir del
desarrollo de las ideas y la obra de Kandinsky
y de otros artistas y teóricos del arte del siglo XX, podemos pensar en las imágenes visuales materiales, presentes
en las artes plásticas, como composiciones organizadas de acuerdo a unidades básicas de lenguaje, tales
como punto, línea, contorno, textura,
color, etcétera.
a) Punto
Desde el punto de
vista científico, el punto
representa un concepto abstracto que indica con precisión exacta la ubicación
de un encuentro, una intersección, etcétera. En el lenguaje de las artes plásticas,
el punto es una superficie
materializada, es decir, reconocible por el ojo humano. Es la unidad mínima de comunicación visual,
el elemento básico del lenguaje de
la plástica.
El punto es, entonces, un elemento
material; tiene tamaño, ocupa una superficie sobre el plano, tiene límites que
lo separan y lo distinguen de otros elementos y posee tensiones internas.
Podemos afirmar que el punto es tensión en sí mismo.
El punto es percibido como tal en relación al plano que lo contiene y a los elementos que lo rodean.
Su forma externa es
variable; puede ser circular, triangular, cuadrada o una simple mancha sin
características geométricas.
El punto resulta en muchos casos del
choque del instrumento o herramienta (lápiz, punzón, pincel, pluma, aguja, etcétera)
con el soporte material (papel, madera, tela, metal, etcétera).
No es necesario que
el punto esté representado
gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico
puede constituir el centro de atención.
Como ya dijimos, el
tamaño y la forma del punto varían,
por lo que es importante tener en cuenta que un punto es tal en relación a los
otros elementos y puede transformarse en plano o figura según su escala en
relación al contexto.
El punto puede ser definido también por su color y, sobre todo, por el dinamismo que refleja, dependiendo de dónde se encuentre situado dentro del plano.
Algunas
características del punto:
* Tiene un gran
poder de atracción cuando se
encuentra solo.
* Puede producir
sensación de tensión cuando se añade
otro punto.
El punto posee significación como:
- Centro de atención.
- Referencia de posición.
- Indicador.
- Concentrador de tensión.
- Eje.
- Figura unitaria, etc.
La línea separa planos, permitiendo delimitar áreas y crear diferentes niveles y
volúmenes. La repetición y proximidad de líneas
pueden dar apariencia de volumen y
crear texturas. La línea posee, además, una gran capacidad
expresiva, ya que puede conformar contornos,
señalar la dirección de lectura (provocando que el espectador dirija
su vista a algún punto) crear movimiento,
etcétera, dependiendo de sus diferentes grosores y valores.
En la composición
de la obra o texto visual, la línea posee la misma importancia que la
letra en el texto escrito.
Los elementos de la línea que con mayor facilidad podemos
analizar y percibir son:
- El espesor.
- La longitud.
- La dirección.
- La forma.
- El color y
- La cantidad.
La
línea puede expresar cosas muy diferentes
dependiendo de su carácter. Puede ser ondulada, delicada, vacilante,
inflexible, fría o sensual, expresando la intencionalidad del artista o su
momento personal en el acto de creación.
c) Contorno
Hablamos de contorno cuando el trazo de la línea se une en un mismo punto. En la
terminología de las artes visuales se dice que la línea articula la complejidad del contorno. Cuando la línea
cierra un determinado espacio se crea una tensión
entre el espacio y sus límites.
El contorno provoca una delimitación entre
dos zonas: una acotada (figura) y
otra infinita (fondo).
El contorno puede ser:
* Geométrico: construido matemáticamente (lo encontramos en las construcciones humanas).
* Orgánico: conformado por
curvas libres que sugieren fluidez y desarrollo (es propio de la naturaleza).
* Rectilíneo: limitado por
líneas rectas que no están relacionadas matemáticamente.
* Irregular: uniones de rectas y
curvas.
* Manuscrito: caligráfico.
d) Textura
Se denomina textura al tratamiento que el artista da a una superficie a través de los materiales.
Con frecuencia, sirve para expresar visualmente
las cualidades de otro sentido: el tacto.
El primer análisis de textura que realiza el ojo por medio de la percepción, queda reafirmado o contrastado a través del tacto, que nos transmite otra información. Por lo general, la textura se produce mediante la repetición de luces y sombras en un espacio plástico o a través de motivos iguales o similares que se repiten en el soporte material.
La textura puede ser:
a) Visual, cuando sugiere diferencias
sobre una superficie que sólo pueden ser captadas por el ojo, pero no responden
al sentido del tacto.
b) Visual y táctil, cuando hay una textura
real en la que coexisten las cualidades táctiles y ópticas por separado,
permitiendo una sensación individual al ojo y a la mano, aunque ambas
sensaciones sean proyectadas en un significado fuertemente asociativo.
La textura, junto con la luz, es el elemento clave en la percepción del espacio por su capacidad para orientar la visión
estereoscópica. Con todo, la mayor parte de nuestra experiencia textural es
óptica, no táctil. Mucho de lo que percibimos como textura está pintado,
fotografiado, filmado, etcétera, simulando una materia que realmente no está
presente.
Este fenómeno se da también en la naturaleza, ya que muchos animales adoptan o presentan el aspecto de aquello que les rodea. Para defenderse de los enemigos, se confunden con la textura de contexto.
e) Color
El color en sí no existe, no es una característica
del objeto, sino una apreciación subjetiva nuestra. Por tanto, podemos
definirlo como la sensación que se
produce cuando el ojo y sus mecanismos nerviosos son estimulados por la energía luminosa de ciertas longitudes
de onda.
El color es, entonces, un fenómeno de la visión que resulta de la
percepción del ojo humano ante las distintas longitudes
de onda que componen lo que se denomina el espectro de luz. Los colores
que el ojo humano puede percibir son
aquellos cuya longitud de onda está
comprendida entre los 400 y los 700
nanómetros. Más allá de estos límites siguen existiendo radiaciones, pero
ya no son percibidos por nuestros órganos de visión.
Lo que ocurre
cuando percibimos un objeto de un determinado color, es que la superficie
de ese objeto refleja una parte del
espectro de luz blanca que recibe y absorbe lo demás.
La luz blanca está conformada por tres colores básicos: rojo, verde y azul. Un objeto de color rojo absorbe el verde y el
azul y refleja el resto de la luz, que es interpretado por nuestra retina como
color rojo.
Este fenómeno fue
descubierto en 1666 por Isaac Newton, quien observó que cuando
un haz de luz blanca traspasa un prisma de cristal, dicho haz se divide en un
espectro de colores idéntico al del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo,
verde, azul, añil y violeta.
En el lenguaje de la plástica, el color no es un simple atributo que
recubre la forma de los objetos en busca de fidelidad en la reproducción. A
pesar de que, sin el color, la forma permanece, con frecuencia lo que se desea
transmitir es el color mismo, o
aquello que sólo puede expresarse por medio de éste.
Dependiendo del
ámbito, podemos encontrar tres juegos de
colores primarios:
1. Los artistas plásticos parten de un juego formado por el rojo, el amarillo y el azul.
Mezclando pigmentos de estos
colores pueden obtenerse todos los demás tonos.
- El segundo juego de primarios es el del rojo, verde y el azul, conocidos como primarios aditivos. Son los primarios de la luz y se utilizan en el campo de la ciencia o en la formación de imágenes en los monitores de las computadoras o la televisión (videoarte). Si se mezclan en distintos tantos por ciento, forman otros colores, y si lo hacen en cantidades iguales producen la luz blanca.
- El tercer juego de primarios se compone de magenta, amarillo y cyan (azul celeste). Se tratan de los primarios sustractivos y son los empleados por los impresores. En imprenta, la separación de colores se realiza utilizando filtros para restar luz de los primarios aditivos, con lo que se obtienen los colores de impresión por proceso sustractivo.
El tono:
Es el matiz del color, es decir, el color en
sí mismo. Supone su cualidad cromática.
Define la mezcla de un color con el blanco y el negro. Está relacionado con la
longitud de onda de su radiación. Según su tonalidad, se puede decir que un
color es rojo, amarillo, verde.
De acuerdo con sus cualidades expresivas, podemos hablar
de:
Tonos cálidos (rojo, amarillo y
anaranjados): aquellos que asociamos con la luz solar, el fuego, etcétera.
Tonos fríos (azul y verde): aquellos que
asociamos con el agua, la luz de la luna, etcétera.
Los términos cálido y frío se designan por lo que denominamos temperatura de color. Las diferencias entre los colores cálidos y
los fríos pueden ser muy sutiles. El papel blanco puede parecer más cálido o
más frío a partir de una leve presencia de rojo o azul. Lo mismo ocurre con el
gris y el negro.
La brillantez:
Es la intensidad o el nivel de energía. Es la luminosidad de un color, su capacidad de reflejar el blanco, es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de
un tono. Es una condición variable que puede alterar fundamentalmente la
apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a
un tono.
La saturación:
Está relacionada
con la pureza cromática o falta de dilución con el blanco.
Constituye la pureza del color
respecto al gris y depende de la
cantidad de blanco presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es
y menos mezcla de gris posee.
Los colores menos
saturados transmiten sensaciones tranquilas y suaves; por el contrario, los
colores más saturados transmiten tensión.
El color luz:
Los bastones y
conos del órgano de la vista están organizados en grupos de tres elementos
sensibles, cada uno de ellos destinado a cada uno de los colores primarios del
espectro: azul, verde y rojo, del mismo modo que un monitor en color.
Cuando vemos el
rojo es porque se ha excitado el elemento sensible a esta longitud de onda.
Cuando vemos amarillo es porque se excitan a un tiempo el verde y el rojo, y
cuando vemos azul celeste (cyan), es que están funcionando simultáneamente el
verde y el azul (azul violeta).
Del mismo modo
pueden obtenerse colores terciarios en los que las tres luces primarias actúan
a la vez en distintas proporciones y hacen posible que, por ejemplo, en un
monitor se perciban una enorme cantidad de valores cromáticos distintos.
Este proceso de
formación de colores a partir del trío básico (azul, verde y rojo) es lo que se
conoce como síntesis aditiva, y en
ella cada nuevo color secundario o terciario se obtiene por la adición de las
partes correspondientes de los tres fundamentales, siendo cada una de las sumas
de color más luminosas que sus partes, con lo que se explica el que la mezcla
de los tres permita la obtención del blanco, que es por definición el color más
luminoso.
El color pigmento:
A diferencia de expresiones como el video de arte, en las cuales el color se maneja a partir de luces,
en una pintura el artista no utiliza
la luz para manejar el color, sino
tintas, lápices, acuarelas, óleos, etc. En estos casos, de lo que estamos
hablando es del pigmento. Cuando
hablamos del color pigmento nos
referimos a sustancias que son aplicadas
sobre cierta superficie para sustraer
a la luz blanca parte de su composición espectral. Este proceso se denomina síntesis sustractiva y a partir de él es más sencillo prever el
color resultante (el azul + el amarillo originan el verde, el rojo + el
amarillo originan el naranja).
3.3 Elementos básicos de composición
en las Artes Plásticas
b) Escala
Es el tamaño de algo en relación con una constante. Por ejemplo, el cuerpo
humano en relación con el tamaño usual de un objeto (manzana, pelota de futbol).
Los objetos visuales se definen y modifican unos a otros a partir de sus relaciones de tamaño. Una manzana es enorme en relación a un
insecto, pero pequeña en relación a un árbol.
c) Proporción
Es la relación de tamaño de las partes en
un todo. En este caso, si el cuerpo
humano es el todo, las extremidades deberán guardar cierta proporción en
relación al tronco, a la cabeza, etcétera.
Uno de los más famosos dibujos de Leonardo da Vinci es el llamado Hombre de Vitruvio (ver pág. 54). En él, un círculo y un cuadrado son la base de las proporciones de la figura humana. Este dibujo se ha convertido en un auténtico símbolo, ya que recoge varias de las ideas claves del pensamiento renacentista: el hombre como medida de todas las cosas, la belleza ajustada a cánones, el equilibrio y la proporción en la representación artística de los objetos de la naturaleza, etcétera.
d) Ritmo
Al igual que el
ritmo musical, el ritmo visual opera
cuando existe una repetición de elementos de acuerdo a un orden. El ritmo puede ser repetitivo, ofrecer variaciones sobre un tema básico o
indicar un desarrollo progresivo.
e) Equilibrio
Es la relación
ordenada de las fuerzas opuestas.
La atracción y tensión de las
fuerzas opuestas es una condición básica de la vida. La falta de equilibrio es
contraria a nuestro sentido del orden. En el campo de la medicina, equilibrio y falta de equilibrio se asocian con los
conceptos de salud y enfermedad.
Existen dos tipos de equilibrio: el simétrico y el asimétrico.
Si dividimos una imagen en dos, el equilibrio simétrico se produce cuando
encontramos igualdad de peso y tono en ambos lados de la composición, y el equilibrio asimétrico cuando no existe
las mismas dimensiones (ya sea de tamaño, color, etcétera) en ambos lados, pero
aún así existe armonía entre los elementos.
f) Contraste
Es la interacción
de elementos contrarios que expresan
la dualidad en sus opuestos. Por ejemplo: largo y corto,
áspero y suave, blanco y negro. El contraste atrae la atención del receptor,
dramatiza y dota de significado a la imagen, aportando dinamismo.
Un ejemplo
contemporáneo de contraste es cierto
tipo de escritura en blogs y fotologs, en la cual se intercalan
letras mayúsculas y minúsculas con el único fin de atraer visualmente y crear
dinamismo. Un lunar o un piercing
provocan una ruptura en el equilibrio simétrico propio del rostro humano,
contrastando el lado izquierdo con el derecho y provocando una dramatización
dinámica de su imagen.
El contraste puede
conseguirse a través de múltiples articulaciones:
1. Contraste de líneas: Cuando en una composición se contraponen líneas gruesas y delgadas, cortas y largas, etcétera
2. Contraste de tono: Contrastes de luz y sombra en la superficie de los objetos
establecen contrastes tonales. El mayor
peso tonal lo tendrá aquel elemento que posea mayor oscuridad o intensidad
tonal.
3. Contraste de colores:
- Contraste de tono
(cuando encontramos diversos tonos cromáticos).
- Contraste de claro/oscuro (los extremos están representados por el blanco y el negro).
- Contraste de saturación (se produce por la modulación de un tono puro saturado con
blanco, con negro, con gris o con un color complementario; lo que se
contrasta aquí es la brillantez).
- Contraste de cantidad (contraposición de lo grande y lo pequeño, de tal manera que
ningún color tiene preponderancia sobre otro en la composición).
- Contraste simultáneo (se produce por la influencia que cada tono ejerce sobre los
demás al yuxtaponerse a ellos en una composición).
- Contraste entre complementarios (el color complementario es el que se sitúa en el lugar
exactamente opuesto de la rueda de colores).
- Contraste entre tonos cálidos y fríos.
4. Contraste de contornos: Entre contornos regulares e irregulares, orgánicos y geométricos.
5. Contraste de textura:
Cuando se yuxtaponen diferentes tipos de textura, como áspera y suave.
6. Contraste
de escala: Contraposición de elementos a diferentes escalas
o que presentan proporciones irreales.
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